传说，德国有一个长得很好看的画家，他曾经跋山涉水、翻山越岭去往意大利旅游，顺便还推动了整个北欧的艺术发展。
看来趁年轻，行万里是很有必要的。对于他的美貌，曾有这样一个传闻：
“他有一张表情生动的脸，一对明亮的眼睛，长长的脖子，宽阔的胸脯。。。样子文质彬彬。他那俏皮的言谈举止更令人陶醉，他几乎通晓天文地理、哲学、美学，并能口述出来。”
这就是你们想要的有颜值、有情调、又有才华的社会精英了吧。
别流口水了，这个美男子，已经死了500多年了。
他就是德国最最最伟大的艺术家：丢勒。丢勒不仅长得帅，成就还非常了得。
我们都知道，达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔并称“文艺复兴三杰”，把意大利地区的欧洲绘画复兴推向高潮，那么丢勒就是一个可以和三杰并肩的男人，他被称为“北方文艺复兴”的龙头老大，推动了整个阿尔卑斯山以北地区的绘画发展。
丢勒 《祈祷的手》画于508年
也许你听过丢勒，是因为那幅了不起的《祈祷的手》，还有那只《兔子》。
丢勒 《兔子》画于1502年
这可是一只510年前的兔子，一双510年前的手，能画出逼真到令人发指的细节，此人的技艺该多不得了。
但是，即便是这些，都还不足以让他称霸北方画坛。
他有一个终极秘密武器——自画像。
要知道，在文艺复兴以前，画家不是艺术家。几乎是从古希腊开始，对职业就有“势利眼”。
那些要动脑子动心思的（所谓的“自由学科”）比如文法、辩证法这些学科就被捧得很高。
而以前的人认为，画家需要做的是“动手”不是动脑，所以他们被看做是“手工艺人”，并不是高贵体面的职业。
所以当时画家的地位可想而知，一般只有他们画别人，替人家干活儿，不太可能出现画家敢画自己……毕竟也卖不出去……
所以在这样的情况下，做出一点点小小改变都是非常了不起的。况且丢勒做的还不是小改变——
这就好比社交网络中，别人还摸不清楚该说点什么的时候，丢勒已经开始发自拍+文字记录生活了，所以怎么会不成为网红博主，引领潮流？
正是这种大胆创新的精神，才真正让他成为了北方文艺复兴的支柱。
因为有了丢勒的这一开创，西方艺术家自画像就成为了一种固定的题材。后来的伦勃朗、梵高、毕加索……等等等等人都是沿着丢勒的路子走下去。
左起，依次为伦勃朗、梵高、毕加索大师的《自画像》
为啥别人不画自画像，丢勒就想起要画呢？这一切得从他小时候说起。
15世纪末，丢勒出生在德国纽伦堡的一个金银匠世家。丢勒从小就跟着父亲学习金银首饰的雕刻，奠定了他的绘画技艺基础。
可能因为真的觉得自己长得挺不错的，“天生丽质难自弃”，他从13岁开始就尝试画自画像了。
丢勒 《自画像》画于1484年
这头发、这五官、这骨骼，结构精准，比例协调，更厉害的是，整幅画从头到尾一根线条都没有改过，简直是丧心病狂啊！这不仅要掌握解剖学，还要具有很高的绘画技能，很难想象这出自一个小学刚毕业的孩子的手。
在这幅画里，他写了这么句话“这是我照着镜子画的自己”。自拍照加上心情记录，这不就是微博吗？难道丢勒才是最早的网红博主？那么这条微博应该是这样的：
这幅画一出来，整个村子都惊呆了，吓得丢勒的爸爸赶紧把他送去城里深造。这一画，就一发不可收拾了。
这是丢勒22岁的自画像，他戴着时尚的小红帽，手里还拿着一株刺芹，这在西方是象征爱情的，原来这幅画是寄给未婚妻的。
直到有一天，他上传了这样一张惊天动地的“照片”：
这幅自画像直观看上去，跟之前的不一样，它开始有了光影，有了立体感，整个人看起来都很真实，仿佛下一秒，他就会向我们走来。
丢勒《自画像 》画于1500年
但这幅画为什么会令人尖叫？丢勒的画风又为什么突然改变了呢？
这就要讲到丢勒的另一个故事——独自一人翻山越岭，前往意大利取经的故事。
15世纪末，文艺复兴的春风早已吹遍意大利半岛，意大利人通过海洋贸易不断积累财富，、经济、文化都进入了繁荣发展时期。
而此时，欧洲北部的德国还在寒冬之夜里瑟瑟发抖，、经济萧条、更可怕的还有当时的黑死病，每天都在夺去无数人的性命。
德国的封建主们还在为争夺那些贫瘠的土地而打得热火朝天，连命都保不住时，同一时刻，千里之外的米开朗基罗却正在给梵蒂冈西斯廷教堂画天顶画。差距可想而知。
在那个时候，丢勒其实已经是家乡的大画家了，但他却觉得还是无法突破自己绘画的瓶颈，还想不断拓宽自己的边界，于是他决定，搞点事情。
他走了3424公里的路，翻越横断在南北欧之间、平均海拔3000米的阿尔卑斯山脉，从德国去往意大利，结识了拉斐尔、乔万尼·贝里尼等几位当时顶级的艺术大师，顺便向他们学习技法。
他进入当时最厉害的威尼斯大学“读研”，他接触到“透视法”、“解剖学”等新的绘画理论。
然后创作了《启示录》《亚当与夏娃》《大片草地》等十几幅传世名画。
左《亚当与夏娃》画于1504年
右《大片草地》画于1503年
而这仅仅只是他第一次翻山越岭去往意大利得到的结果，隔了5年之后，他又再一次踏上旅途，重新翻越阿尔卑斯山，第二次去往意大利。
左侧为贝里尼《圣母子像》
右侧为丢勒临摹《圣母子像》
他学习拉斐尔，看到拉斐尔画的圣母就像个慈爱的邻家母亲，他才真正意识到“最美的是人，不是神”。他在意大利，体会到了绘画里，对“人”的重新定义，人文主义的复兴，真正开始刻画人、重视人。
然后，才有了这幅画。此时，我们再来欣赏他的这幅经典自画像，就知道它到底有多牛了。
画面里有非常高明的光影对比：光从自己的右侧打过来，到左边渐趋昏暗，凸显了温柔的双眼、挺拔的鼻子，肩上的每一缕卷发都发着金光。
我们看那些毛发和衣服的细节刻画，尤其是貂裘大衣的毛领，一根根清晰得像照片一样，怪不得有人说丢勒是15世纪的高清数码相机。
有研究者表明，这幅画的构图很讲究，看似不经意，但给人一种沉稳大气的平衡感，仔细研究其实整个画面构成了一个稳定的六角星形，这正是他在意大利读研所学。
对比之前的自画像，你有没有发现一个关键的问题？
丢勒之前的自画像都是45度角的pose，只有这一幅是正面构图。现在我们看起来好像没什么，但在当时的艺术界直接炸开了锅。
因为自古以来，艺术家给人画像，不管对象是谁，都只能以侧面呈现。唯一可以正面出现在画面里的只能是神。
老卢卡斯·克拉纳赫 《三个萨克森公主》，
看镜头啊，你们！
就连拉斐尔当年把自己画进《雅典学院》里，
也是只画了个半脸。
拉斐尔 《雅典学院》 画于1510年
右二为拉斐尔本人
可是丢勒又一次突破了人们固有的习惯和观念，他偏要要用画神的方式画自己。
甚至担心大家以为他画的是，他直接在画上写着：我画的是我自己，丢勒！
我们常说，文艺复兴之后，艺术家关注人，关注人从哪里开始？丢勒是一个很好的例子——从艺术家真正关注自己，重视自己开始。
然后他们才将这种人文主义的思想融入创作之中，至此才揭开了所谓的“复兴”。
在当时的那个条件下，很多意大利画家都无法想象翻过阿尔卑斯山去往北边，但是丢勒做到了，还做了不止一次。
最后，执拗、冒险的艺术家丢勒，在那个时代，用作品来宣示自己，把先锋的、开创的观念和思想都画进了画里，这些绘画于是成为了撬动北方文艺复兴的千斤顶。
1494年夏天，在订婚后不久，阿尔布雷希特•丢勒给他的未婚妻阿格妮丝•弗雷画了一幅惊人地亲密的素描。人们可能会预期，这位年仅二十三岁的青年，会把他的爱人画成爱的源泉，慰藉或幸福，在她带来的嫁妆不久之后便启动了他独立职业生涯的情况下，人们就更有理由这样预期了。然而，阿尔布雷希特笔下的阿格妮丝，却是焦虑的内曲线拧成的一个结。她看起来孤独而出神，而她眼睑沉重的眼睛下的曲线，甚至给人这样的想法，即她之前一直在哭泣。
我的阿格妮丝，细部，1494，Albertina Museu
就它对一个不拘礼节的，不加防卫的情感（爆发）的时刻的率直的描绘而言，这幅画是史无前例的。典型的肖像画是尊敬的，它意图再现被展示的人的值得仿效的美德；而丢勒则相反，他经常试图捕捉他描绘的人的特质和心理特征。他沉迷于对黑暗而不安的情感的细察。这在他的自画像中尤其明显——他的许多自画像都展示了忧郁、怀疑或疾病时的他。以他十三岁时的自画像为例。这幅画是用精致得令人陶醉的银尖笔画的，可他的大大的，瞪着的眼睛，却有种奇怪的，焦虑和不安的神情。（丢勒在）这幅画中明显表现出来的早熟，不仅在于无暇的技艺，也在于（其中包含的）自省的冲动。
自画像，细部，1484，Albertina Museum
这幅画是正在国家美术馆展出的关于阿尔布雷希特•丢勒的特展陈列的第一幅作品。这次展览几乎全部是由从维也纳的阿尔贝蒂娜美术馆借来的作品——九十多幅素描和水彩画，以及二十幅版画——构成的，阿尔贝蒂娜美术馆的丢勒馆藏是世界上最好的。这些作品在品质和状况上都是极好的，并且呈现了一个直接追随到艺术家本人的完整的起源链条。它们以国家美术馆自己收藏的，这位艺术家的作品为补充。结果，这次展览是美国四十多年来展出的，关于丢勒的最完整也是最有启发性的一次展览。
观看这组数目庞大的版画、水彩画和素描，会给你一种比看他的画作的复制品或阅读关于他的书所能提供的，关于丢勒的更直接、更亲近的看法。华盛顿展出的大量艺术品——不仅仅是肖像画——看起来都包裹着艺术家个人的关注。丢勒也许是历史上第一位主要在他自己的方向上努力，而不是为委托和取悦君王和其他苛刻的主顾而创作的艺术家。这一改变之所以可能，是因为他把注意力集中在版画制作（而不是绘画）上，并使之成为他主要的艺术和商业的事业。那个时代的大多数绘画，诸如祭坛画，是为已牢固确立的，宗教的或公民的目的而创作的，而赞助人和其他的观众，在被画之物为何和如何表征它上也有着特定的需要和强烈的预期。但版画是一种全新的媒介，不那么受制于传统。甚至在处理的主题的时候，丢勒在追求一种对主题的更加个人的探究上也是相对自由的。
在丢勒身上，这种抒情的倾向，在表达上主要是宗教的。当然，他的许多书信也表明了丢勒的世俗的品质：他对友谊的献礼、幽默感、对成功的欲望和奢侈的品味。然而他的诗和他的艺术却揭示出更为忧郁得多得多的关注。和如此之多的同时代人一样，丢勒也为死亡、罪和对（上帝的）诅咒的恐惧所萦绕。他有充分的理由为此担忧。死亡无处不在。丢勒有十七个兄弟，其中只有两个活到成年。他跨越阿尔卑斯山前往意大利的几次旅行——1494年和1505-1507年——部分地就是由逃避他的家乡纽伦堡爆发的鼠疫的欲望所激发的。“今天我们身边的任何一个人”，丢勒在一首诗中写道，“明天都可能被安葬。”这不是一种诗的幻想。它是残酷的事实。
忧郁I，版画，1514，Albertina Museum
死亡的前景也包含一种特别的恐惧，，死亡不是终结，而只是一个人的苦难的新的开端。被诅咒的人将永远在地狱燃烧，甚至好人，也不得不在炼狱经受极为漫长的洗礼，承受比生时经历的一切更严重得多得多的折磨。这样，丢勒会在他父亲于1502年去世多年后，担心他的灵魂的救赎；或者，观看母亲1514年的痛苦而令人恐怖的逝世——与每个人都希望的“善终”相反——会把丢勒抛进一场精神的和心理的危机；也就都不让人感到奇怪了。这次展览以他著名的版画《忧郁 I》的一幅特别美丽的海报为特写。这幅版画展示了一种对天使的高超的人格化——他被工具环绕，却因过度的哀思分心，而不去使用它们。就像展览目录提醒我们注意的那样，这幅版画经常被视作“对他的母亲的死亡的纪念”。
像丢勒那样不安的存在，在十六世纪早期的德国，是一种常见的命运。焦虑和绝望形成了的亲密的、主观的背景。丢勒敬仰马丁•路德，他有他的至少十六本书，并同意这场新运动的许多理想。在我们读到路德宣告“我是尘埃和灰烬并充满了罪”或说他感到“被困于突然死亡的恐怖与痛苦”时，你就同时接近了丢勒的思想。
这位艺术家是纽伦堡一个名叫Sodalitas Staupitziana的宗教研究小组的成员，这个小组得名自约翰•冯•施陶皮茨(Johann von Staupitz)，，路德的精神导师。丢勒不仅参加了施陶皮茨1516和1517年在纽伦堡的布道，他们还在一起吃饭，席间丢勒给了他他的一些版画的复制品。随便找一篇施陶皮茨的论文，比如，他于1517年在纽伦堡出版的关于前定的论文，你就会发现许多把人描述为天生有罪而无价值的段落：
丢勒的母亲
骑士、死神与恶魔
丢勒22岁自画像
丢勒26岁自画像
丢勒29岁自画像
丢勒13岁自画像
四使徒
忧郁
青草地
男人与女人
圣徒对三位一体的崇拜
圣母七苦
head of an old man
圣母子
说了这么多，相信你们一定对这位画家有所了解了吧！那么我们下期再见喽！
END
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文字：网络
编辑：马若语
审编：刘雅宁
